TIPS PARA TOCAR GUITARRA

TIPS PARA APRENDER A TOCAR GUITARRA 

Investiga y encuentra algunas páginas web con clases para aprender a tocar.

  En la internet hay cientos de páginas web que ofrecen lecciones gratis, y la mayoría de ellas están muy bien diseñadas para enseñarte a practicar con eficacia. Además, seguro que encuentras respuestas muy completas para tus preguntas. 

                             

Aprende a distinguir entre un buen músico y uno que no lo es. 

 Si ya eres casi tan bueno como tu músico favorito, y tan solo llevas un par de semanas tocando, búscate otro músico con más habilidad al que seguir. 

 

 

Estudia cómo funciona el instrumento mismo. 

 Aprende los nombres y las funciones de cada pieza de la guitarra, y como se combinan para crear el sonido. Aprende cómo se emite el sonido en una guitarra, y cómo la tensión afecta al sonido de las cuerdas. Por cada media hora que pases aprendiendo la teoría de funcionamiento de una guitarra, vas a acelerar mucho tu aprendizaje y tendrás unas sesiones de práctica mucho más eficaces.  

 

 

Aprende diferentes maneras de tocar cada acorde. 

 Por ejemplo, hay más de 10 posiciones donde tocar el acorde “Do”. Claro está, primero deberías perfeccionar la forma más sencilla de tocar un “Do”, pero cuantas más maneras aprendas de tocar un mismo acorde, más flexibilidad tendrás para cambiar de un acorde a otro. Además, te será muy útil si algún día decides componer tus propias canciones.  

 

 

Practica diariamente (al menos 5 de cada 7 días) durante, al menos, media hora. 

 Si quieres aprender rápido, debes obligar a tu cerebro y a tus músculos. Además, deberás enseñar a tu oído a diferenciar los sonidos, el ritmo y la entonación, aprender la postura correcta (de las piernas, los hombros, los brazos y manos), coordinar las manos del mástil y del ritmo y, aún más importante, crear memoria muscular para pulsar las cuerdas.  

 

 

Practica los acordes y las posiciones de la mano en silencio, mientras ves la televisión. 

 La memoria muscular en la mano de los trastes es mucho más difícil de conseguir que la de la mano que toca el ritmo (con excepción del “fingerpicking”, o tocar con los dedos las cuerdas individualmente). No tienes por qué usar la mano del ritmo para practicar, simplemente pulsa los acordes una y otra vez. Si estás viendo la televisión o conversando con alguien evitarás mirar a los trastes muy a menudo. De todos modos, mientras aprendes la posición de los dedos para cada acorde, deberás mirar con atención a tus dedos para asegurarte que la posición es la correcta y tus músculos se acostumbren a esa posición. Con el tiempo, mirarás a tus dedos cada vez menos, aunque, de vez en cuando, tendrás que comprobar que la posición es la correcta, hasta que logres la confianza y la práctica necesaria.  

 

 

Desarrolla callos en la punta de tus dedos. 

 Te dolerán las puntas de los dedos y los propios dedos al principio. Pero una vez que hayas desarrollado callos, el dolor desaparecerá. Cuánto tiempo tardes en desarrollar los callos dependerá completamente de ti. Cuanto más practiques, más rápido aparecerán los callos. También puedes encontrar algunos productos que ayudan a desarrollar callos.  

 

 

Aprende los acordes con cejilla junto con los abiertos. 

 No evites los acordes con cejilla simplemente porque son más difíciles. Al igual que debes desarrollar callos, aprenderás a usar la cejilla con la práctica y la repetición. Tocar un acorde con cejilla depende casi por completo en la fuerza que hayas desarrollado en tu mano.  

Puedes aumentar la fuerza de la mano si aprietas una pelota de goma (o similar) por unos 5 minutos al día. 

 Ten cuidado de no hacerlo demasiado fuerte al principio, porque podrías sufrir tendinitis. 

 

 

Permite que fluya la frustración. 

Es completamente normal. Algunos acordes se resisten durante días o hasta semanas, pero, con la práctica, podrás hacerlo sonar alto y claro. Sigue trabajando en ese acorde de cuando en cuando, y antes de darte cuenta, estarás tocándolo correctamente.  

 

 

Practica, practica y practica. 

 “La práctica hace al maestro”, como reza el dicho. Cuando practiques, concéntrate en la calidad. Si practicas de manera incorrecta crearás malos hábitos que podrían ser muy difíciles de corregir después. Al igual que los atletas van variando los ejercicios en sus entrenamientos y se concentran en trabajar una parte de su cuerpo cada día, tú puedes practicar un aspecto diferente cada vez. (El tono, la claridad del sonido, la velocidad, la precisión, etc.) Concentrándote en una faceta diferente de tu música, pulirás tus habilidades una a una, y esto aumentará tu capacidad para tocar la guitarra.  

Toca las canciones de tus grupos favoritos. 

 El CD es una buena ayuda para aprender a tocar la guitarra, porque puedes volver a escuchar y repetir la parte de la canción que aún no dominas. 

 

 

Toca canciones completas. 

Hay dos maneras de leer música para tocarla. Una son los acordes (Chords en inglés) y otra es la tablatura (Tab en inglés). Si buscas cualquiera de los dos modos en la internet y aprendes a leerlos, ayudará muchísimo a que aprendas a tocar la guitarra.  

 

 

Toca más de un tipo de guitarra. 

Puedes aprender a tocar el bajo, la guitarra clásica o la guitarra eléctrica. Así te irás acostumbrando al sonido de los diferentes instrumentos.  

 

 

¡Disfruta tus nuevas habilidades para tocar la guitarra!

 

COMO SE HACE - CUERDAS DE GUITARRA

COMO SE HACEN LAS CUERDAS DE GUITARRAS

              

   

COMO SE HACE - GUITARRAS

COMO SE FABRICAN LAS GUITARRAS ELECTRICAS

                                                 

 

cabe recalcar que para fabricar una guitarra electrica de buena calidad se utilizan los mejores materiales que se pueden adquirir asi que si se llegan a comprar una es mejor que la cuiden 

TIPOS DE BANDAS Y GENEROS MUSICALES

tipos de bandas y generos musicales 

Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que comparten distintos criterios de afinidad,¹ tales como su función (música de danza, música religiosa, música de cine...), su instrumentación (música vocal, música instrumental, música electrónica...), el contexto social en que es producida o el contenido de su texto.
Mientras que las tradicionales clasificaciones académicas en géneros musicales han atendido fundamentalmente a la función de la composición musical (para qué es compuesta la pieza, como en los ejemplos anteriores), las clasificaciones por géneros de la música moderna, usadas por la industria discográfica, han atendido más a criterios específicamente musicales (ritmo, instrumentación, armonía...) y a características culturales, como el contexto geográfico, histórico o social; se ha asimilado así el concepto de género musical al de estilo musical, y es habitual que hoy se califique de "géneros" al flamenco, el rock o el country (ejemplo: el rock es un género musical de ritmo muy marcado)



unos de los generos mas conocidos es el rock caracterizada por combina elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica Apalache, gospel, country y western
Cada uno de sus subgéneros pueden mezclarse sutilmente entre si y pueden además recoger elementos de cada una de sus sub-ideologías, lo que hace al rock una cultura variada y rica en pensamientos y sonidos.

el rock tiene varios derivados, cada uno brillando con luz propia
aqui hay algunos conocidos

• hard-rock
• garage-rock
• punk-rock
• rock progresivo
• glam
• heavy metal  
• metal industrial 

 HARD ROCK
El hard rock posee múltiples características. Sus canciones suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las tonalidades menores, especialmente en baladas. Se usa mucho la escala pentatónica, característica heredada del blues y los acordes tradicionales se sustituyen normalmente por «acordes de quinta» o «acordes de poder».

GARAGE ROCK
El término rock de garaje viene del hecho de que sus intérpretes eran grupos compuestos por adolescentes y jóvenes amateurs, con escasísima preparación musical, que solían reunirse para tocar y ensayar en el garaje de sus casas. La música de estas bandas era, por lo general, mucho menos elaborada que los originales en los que se inspiraban (dado que sus intérpretes poseían escasa pericia instrumental.

PUNK ROCK

EL CORO

EL CORO

El coro está compuesto por diferentes tipos de voces, agrupadas en cuerdas. Cada cuerda agrupa las voces en función del registro o tesitura (intervalo de notas que es capaz de interpretar) de cada una.

• Soprano: es la voz más aguda de la mujer o del niño. Su registro oscila entre do₄ y la₅. Es la voz que habitualmente soporta la melodía principal.
• Mezzosoprano: (esta distinción no es habitual en las formaciones corales mixtas, más bien en coros de mujeres solas). Es la voz media de las mujeres. Su registro se sitúa entre el de las sopranos y las contraltos.
• Contralto: es la voz grave de las mujeres, muy difícil de encontrar (generalmente en esta fila cantan mezzosopranos o incluso sopranos con menos formación vocal o menos registro, debido a que las verdaderas contralto son poquísimas). Su registro oscila entre fa₃ o incluso más bajo y re₅.
• Contratenor o sopranista: es la voz más aguda de los hombres; llega a registros similares a los de la mezzosoprano (hasta un re₅ e incluso un la₅).
• Tenor: es una voz aguda de los hombres, la más aguda cuando no se incluyen contratenores; suele oscilar entre si₂ y sol₄.
• Barítono: es la voz más común entre los hombres, con registro medio; su registro oscila entre el de los bajos y los tenores, aunque su color es similar al de un bajo, cantando en los coros generalmente con ellos. Se sitúa entre sol₂ y mi₄.
• Bajo: es la voz grave; su registro se sitúa entre mi₂ y do₄.

Los coros se componen habitualmente de cuatro cuerdas: sopranos, contraltos, tenores y bajos. Sin entrar en mucho detalle, podríamos decir que cada cuerda interpreta simultáneamente una melodía diferente, y es gracias a la formación de diferentes acordes que se consiguen los efectos deseados por el autor o autora

LA ESCALA DE DO

la escala de DO

La tonalidad de do mayor (también DoM en notación latina y C en notación anglosajona) se basa en una escala mayor sobre la nota do, que consiste en las notas do, re, mi, fa, sol, la y si. Su armadura no contiene bemoles ni sostenidos. Su relativa menor es la menor, y su tonalidad homónima es do menor.

Debido a sus notas musicales, los acordes mayores de su tonalidad son do mayor, fa mayor y sol mayor', los menores son la menor, re menor y mi menor', y si es su acorde disminuido.

Do mayor es una de las tonalidades más frecuentemente usadas en la música. Muchos instrumentos transpositores suenan en su tonalidad original cuando ejecutan una parte escrita en do mayor. Por ejemplo, un clarinete en si bemol que toca una obra escrita en do mayor, sonará en si bemol mayor. Las teclas blancas del piano corresponden a la escala de do mayor. Un arpa afinada en do mayor tiene todos sus pedales en posición central.

Muchas misas y tedeums en la música clásica están en do mayor.

Para una guitarra, do mayor no es considerada la tonalidad ideal, ya que las cuerdas más graves, al aire, dan mi (que serviría para tocar una obra en mi mayor) y la (que serviría para tocar una obra en la mayor). Las tres notas del acorde de dominante (sol, si y re) son posibles como cuerdas al aire, pero el acorde de la tónica no lo es.

Gran parte de los ejercicios para principiantes de teclado están en do mayor, por lo que la tonalidad también está asociada a la ejercitación del piano. Algunas obras han echado mano de ello, por ejemplo el número «Pianistas» de El carnaval de los animales (de Camille Saint-Saëns) y «Doctor Gradus ad Parnassum» de Children’s Corner (de Claude Debussy).

LA BANDA SONORA

la banda sonora 

Banda sonora es la parte de sonido completa y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sean diálogos, sonidos y música de una obra o el acompañamiento paralelo. Normalmente, y con raras excepciones, el término alude solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar. Cuando la banda sonora es creada expresamente para una obra determinada y no utiliza música preexistente se le denomina banda sonora original, abreviado como BSO (en inglés OST, original soundtrack theme).

Algunos de los compositores de bandas sonoras para el cine más conocidos son Ennio Morricone, Vangelis, John Williams, James Horner y Hans Zimmer entre otros.

La banda sonora de una película, en su sentido físico, puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de manera similar a como lo haría un lector de casetes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta de la película. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.

También se utilizan, aunque no tan frecuentemente, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

CLASIFICACION DE LOS INSTRUMENTOS MUSICALES

clasificacion de los instrumentos musicales
TIPO	DEFINICIóN	Forma / Modo de Ejecución	EJEMPLOS
AERóFONOS	El sonido se produce al vibrar una COLUMNA DE AIRE.	Boquilla o embocadura	Tuba, Trompa, Trompeta, Trombón, Helicón, Bombardino, Corneta, Serpentón, Sousafón
		Bisel	Flauta travesera, piccolo
		Lengüeta simple	Clarinete, Saxofón
		Lengüeta doble	Oboe, Corno inglés, Fagot, Contrafagot, Tenora
		Lengüeta libre	Armónica, acordeón
		Mixta	órgano de Iglesia, gaita gallega
CORDóFONOS	El sonido se produce al vibrar una CUERDA tensa.	Frotada	Violín, viola, violonchelo, contrabajo, Viola da gamba, viola da braccio
		Pulsada o pellizcada	Guitarra, laúd, bandurria, balalaika, banjo, ukelele, timple, guitarrico, guitarrón, vihuela, Cítara, salterio, arpa, clave
		Percutida con teclado	Piano, clavicordio
IDIóFONOS	El sonido se produce al vibrar el PROPIO CUERPO del instrumento.	Entrechoque	Claves, Castañuelas, látigo, platillos, crótalos (cýmbalos antiques)
		Golpeados o percutidos	Triángulo, plato, caja china, instrumentos de láminas (xilófono, marimba, glockenspiel (lira o campanas), celesta, metalófono, vibráfono), campanas, cencerros, tamtam, gong, litófonos, agogó, campanillas, glockenspiel de cristal
		Sacudidos	Sistro, sonajero de discos (pandereta de varilla), cabasa, cascabeles, pandereta, maracas, tubos (chócalo)
		Raspados	Güiro, matracas, raspador de madera
		Punteados	Caja de música, arpa de boca (guimbarda o birimbao)
		Frotados	Armónica de cristal, Serrucho
		Soplados	Piano chanteur (varillas con recipientes de vidrio)
MEMBRANóFONOS	El sonido se produce al vibrar una MEMBRANA.	Percutidos	Timbales, Tambor, pandero, Bombo, caja de redoble, bongós, congas (tumbas o tumbadoras), tomtom
		Frotados	Tambores de fricción, zambomba
		Soplados	Mirlitón, silbato, matasuegras, kazoo
ELECTRóFONOS	El sonido se produce por medios ELéCTRICOS.	Instrumentos tradicionales	Piano eléctrico, saxo midi, gaita midi, Guitarra eléctrica, Bajo eléctrico.
		Nueva construcción	Sintetizador, Ondas Martenot, Theremin

 

LAS PARTS DE UNA GUITARRA

las partes de la guitarra 

Si bién es cierto, la guitarra posee un buen número de partes y piezas cada una con su respectiva función, detallaremos sólo aquellas con las cuales requeriremos estar más familiarizados.

• Caja de resonancia: es la caja donde se produce el efecto acústico que le da volumen a los sonidos.

• Boca: Es el agujero situado en la tapa posterior de la caja de resonancia, cuya finalidad es dejar entrar y salir el aire contenido en la misma.

• Puente: Es una pieza rectangular con una ranura transversal en el centro, donde se encaja  la cejuela. El puente tiene seis pequeños orificios en los cuales se ata un extremo de cada cuerda.

• Cejuela ó Cejilla: pieza rectangular de hueso o marfil que se coloca en la ranura del puente. Sirve para elevar las cuerdas sobre el nivel de la tapa armónica y por su contacto con esta, transmitir las vibraciones a la caja de resonancia.

• En la parte en que se unen el mástil con la clavijera existe una segunda cejilla cuya función es mantener la cuerdas elevadas a lo largo del diapasón.

• Brazo o Mástil: Es la pieza de madera alargada que va desde el cuerpo de la guitarra (ó caja de resonancia) hasta el  clavijero. En la parte frontal de este mástil va ubicado el diapasón.

• Diapasón: Es la placa de madera de forma plana, que cubre la parte frontal del mástil y sobre el cual se pisan las cuerdas con los dedos.

• Trastes: El diapasón está dividido por unas barras de metal incrustadas en él, llamadas trastes. Los espacios que se forman entre estas barras divisoras reciben el mismo nombre.

• Clavijero: Es laPieza de madera o metal situada en el extremo del mástil, en la que encajan las clavijas.

• Clavija: Es la pieza cilíndrica a la cual se amarra la cuerda. Tiene una oreja que permite colocar los dedos y darle vueltas  para aumentar o disminuir la tensión de la cuerda.

• Cuerdas. La guitarra acústica clásica tiene 6 cuerdas las cuales se enumeran de abajo hacia arriba. La número 1 ó primera, es la más delgada y se encuentra ubicada en la posición inferior. En la posición superior está ubicada la 6ta, que es la más gruesa. En las guitarras clásicas o flamencas,  las tres primeras cuerdas son de nylon y las tres últimas tienen un núcleo de nylon con un entorchado metálico.

 

SLASH - BIOGRAFIA

LA BIOGRAFIA DE SLASH

Saul Hudson

más conocido por su nombre artístico Slash, es un guitarrista y compositor británico-estadounidense.

Fue el guitarrista principal del grupo estadounidense Guns N' Roses durante casi 20 años fuera de la banda. En 2004, cofundó el supergrupo Velvet Revolver junto con sus compañeros de Guns N' Roses Duff McKagan y Matt Sorum, el guitarrista Dave Kushner (ex miembro de Suicidal Tendencies e Infectious Grooves) y el cantante Scott Weiland.

En 1994 formó la banda Slash's Snakepit con el que grabó dos discos, uno en 1995 y el segundo en 2000, durante un periodo de descanso en el que no compuso temas nuevos, tiempo después formó Slash's Blues Ball, una banda estrictamente para directos en el que realizaba versiones de canciones del género blues. Diversas revistas lo han situado en lo más alto de sus ranking de guitarristas.

En el mundo de la música rock, Slash ha recibido elogios de la crítica como guitarrista. Time lo nombró segundo en su lista de Los 10 mejores guitarristas eléctricos en 2009.^{[cita requerida]} Guitar World clasificó su solo en «November Rain» número 6 en su lista de "Los 100 Solos grandes de la guitarra" en 2008, y Total Guitar puso su riff de «Sweet Child O' Mine» en el primer puesto en su lista de los 100 Mejores Riffs en 2004. En 2012, fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, junto con otros miembros de Guns N' Roses. La revista Rolling Stone colocó a Slash en el puesto #65 de su lista de los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos en 2011.

Saul Hudson nació en Hampstead, Londres. Su madre, Ola J. Oliver (1946-2009) era una diseñadora afroamericana y su padre, Anthony Hudson fue un artista, diseñador de tapas de álbumes musicales inglés. Slash vivió entre Hampstead y Stoke-on-Trent (Staffordshire) hasta la edad de cinco años, cuando se unió a su madre en Los Ángeles (California), motivado en buena medida por la mala relación con su padre. Ola Oliver abandonó a su familia en busca de una mejor carrera en el diseño de modas en Estados Unidos.

Perteneció a la banda Road Crew junto con Steven Adler, futuro baterista de Guns N' Roses. En 1985, la banda Guns N' Roses, despidió a su guitarrista original Tracii Guns, en ese momento Slash se une a la banda a la que antes se había unido ya Steven Adler.

En 1987, editan su álbum debut, Appetite for Destruction. El disco vendió 33 millones de copias, tuvo tres canciones entre el top 10 («Welcome to the Jungle», «Sweet Child o' Mine» y «Paradise City»), y alcanzó el número 1 en las listas. Appetite For Destruction es uno de los discos más vendidos de la historia.

En 1988, graban su segundo álbum de estudio, G N' R Lies. Que incluye las cuatro canciones en vivo de 1986, del anteriormente publicado Live ?!*@ Like a Suicide y cuatro canciones de estudio.

En 1991, Guns N' Roses se embarcó en una larga gira de 28 meses, Use Your Illusion Tour, que coincidió con el lanzamiento de sus nuevos discos Use Your Illusion I y Use Your Illusion II, una de las giras más extensas de todos los tiempos. Después de la gira de los Use Your Illusion, Slash se convirtió en ciudadano estadounidense.

En 1993, la banda graba The Spaghetti Incident?, y en 1994 la versión de «Sympathy for the Devil» para la película Entrevista con el vampiro. Además de los cuantiosos problemas con Axl Rose, éste despide por su cuenta a Gilby Clarke y contrata a Paul Huge, que sobregraba los solos de Slash. Slash abandona definitivamente Guns N' Roses en noviembre de 1996, después de declarar que no podía trabajar con Axl Rose y que no le gustaba la forma en la que los trataba a él y al resto de la banda. Uno y dos años después, respectivamente, el bajista original Duff McKagan dejó la banda y el baterista Matt Sorum fue despedido.

Junto a dos compañeros de Guns N' Roses, Gilby Clarke y Matt Sorum, el bajista de Alice In Chains, Mike Inez, y el cantante Eric Dover, forma Slash's Snakepit, banda con la que entra al estudio a grabar. En 1997 lanza el disco It's Five O'Clock Somewhere.

Este nombre fue dado al álbum debido a una anécdota: Slash quería conseguir whisky pero no se podía vender alcohol hasta las cinco de la tarde. Luego de buscar, un camarero le dijo: «It's five O'Clock Somewhere» (son las cinco de la tarde en algún lado) y se lo vendió. De ahí salió el nombre. El disco no obtuvo el éxito que realmente merecía debido a que el hard rock había perdido fuerza en el panorama musical frente al grunge.

En octubre del 2000, Slash's Snakepit publica el álbum Ain't Life Grand, con una formación totalmente distinta a la del primer disco de la banda. Compuesta por Rod Jackson en la voz, Ryan Roxie en guitarra rítmica, Johnny Griparic en el bajo y Matt Laug en la batería. Para promocionarlo, Slash se embarcó en un extenso tour durante el verano con AC/DC.

Slash's Blues Ball fue una banda de covers de blues, creada por Slash. El grupo hizo giras por todo el mundo, tocando temas de blues hasta finales de los años 1990, cuando Slash decidió volver a grabar con Slash's Snakepit. Este proyecto estuvo formado, desde el principio, con los mismos integrantes: Slash (en la guitarra), Teddy Andreadis (en voz, armónica y órgano), Johnny Griparic (en el bajo), Alvino Bennet (en la batería), Bobby Schneck (en la guitarra de acompañamiento), y Dave McClarem (en el saxofón).

En 1995, el grupo fue a tocar en el Sziget Festival (Festival de la isla), en la isla Obuda. Tocaron frente a 206.000 personas, junto a Iggy Pop, Sonic Youth, Stone Roses, Prodigy y otros músicos.

Los dos años siguientes, estuvieron de gira, pero extrañamente nunca sacaron un álbum. Slash dijo que disfrutó los grandes lugares y el tiempo que pasaba con sus fans, antes y después del show. Entre el repertorio de la banda, habían temas como «Stone Free», «Born Under A Bad Sign», «Hoochie Coochie Man», «Suspicious» y algunos temas de Bob Dylan, como «Knockin' on Heaven's Door». Al poco tiempo, Slash retomó otro proyecto, Slash's Snakepit.

LA VIDA DE ANGUS YOUNG

LA BIOGRAFIA DE ANGUS YOUNG

Angus McKinnon Young

es un músico australiano nacido en Escocia, conocido por ser uno de los miembros fundadores y el principal guitarrista del grupo AC/DC, aparte de ser el único miembro que ha permanecido en la banda desde su inicio.

Fue introducido en el Salón de la fama del Rock and Roll junto a los miembros actuales de la banda en el 2003. Es conocido por sus salvajes y enérgicos movimientos en el escenario, y su peculiar uniforme de colegial. Además, en el año 2014 se sitúa en el puesto número 96 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos, concedido por la revista Rolling Stone. y en el puesto 24 en una nueva edición de 2011 de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos, también por la revista Rolling Stone, y en el puesto número 20 de la lista "los 100 mejores guitarristas", de la revista Total Guitar.

Angus Young nace en Escocia, donde vive con sus hermanos mayores Malcolm y George. En 1963 la familia Young emigra a Australia, afincándose en Sídney. Angus y Malcolm reciben clases de guitarra de su hermano George, miembro del grupo The Easybeats. Sus primeros años en un grupo fue en el grupo de su hermano mayor Malcolm, entrando en los locales donde tocaban (todavía era menor) gracias a que el grupo decía que era enano. Antes de la formación de AC/DC, Young tocó con un grupo local llamado Kentuckee (más tarde cambiarían el nombre a Tantrum).

Young, con 18 años de edad, junto a su hermano Malcolm crean en 1973 el grupo AC/DC. La primera formación de la banda cuenta con Malcolm Young en la guitarra rítmica, Phil Rudd en la batería, Mark Evans al bajo más tarde será remplazado por Cliff Williams, y Dave Evans el cantante quien fue remplazado en 1974 por Bon Scott quien moriría en 1980 a causa de una intoxicación etílica, que después lo remplazaría Brian Johnson que hasta el día de hoy es el cantante.

Después de tocar un tiempo con el grupo, Young adoptó su imagen con el uniforme de escolar. La historia se remonta a la formación del grupo, en la que Angus todavía estaba estudiando, y cuando terminaba las clases, se iba directamente a ensayar con su grupo sin cambiarse de ropa. Angus y Malcolm buscaban una puesta en escena que impactara, junto con su música, al público. Margaret, hermana de Angus y Malcolm, sugirió que en las actuaciones en vivo Angus continuara vistiendo el uniforme escolar ya que ella decía que Angus se comportaba como un niño. En las primeras actuaciones de AC/DC, Angus apareció vestido con una gran variedad de disfraces (disfrazado de gorila, de Superman, de Zorro y de Spiderman). Era la época del Glam rock y ya estaba de moda que los músicos de rock se disfrazasen durante sus actuaciones. Desde 1974, Angus probó varios disfraces, incluyendo los de El Zorro, Superman (como 'SuperAng') y el de gorila. La vestimenta escolar se acabaría convirtiendo en la firma de la banda, junto al "Andar de Pato" de Angus, homenajeando al gran Chuck Berry, del que Angus es un gran fan. En los conciertos, siempre enseña su ropa interior donde lleva la bandera del país en el que se encuentran, después de un breve strip tease cómico. Sus movimientos, a pesar de lo enérgicos que son, no afectan su talento con la guitarra y no han impedido que se convierta en uno de los mejores guitarristas de la historia.

El estilo enérgico de Angus Young con la guitarra y canto en algunas de sus canciones ha influenciado a muchos guitarristas de hard rock. Su trabajo con AC/DC ha servido como influencia de grandes bandas como Guns N' Roses, Slayer, The Cult, Jackyl, Metallica, Def Leppard, Iron Maiden y también a artistas más recientes como Disturbed, Jet, Alter Bridge, Buckcherry, Airbourne, The Darkness (banda), Rob Tognoni, Wolfmother, Nirvana y You Am I.

El 24 de agosto de 2006, Young recibió el premio de la revista Kerrang! "Legend Award" del editor, Paul Brannigan. Brannigan nombró a AC/DC como «una de las más importantes e influyentes bandas de hard rock de la historia».

LOS 10 MEJORES GUITARRISTAS

TOP 10 LOS MEJORES GUITARRISTAS (SEGUN MI OPINION)

1.- Jimmy Hendrix.- Es un icono, una idea. Jimmy Hendrix ha trascendido épocas y estilos. Hablamos de un sonido implacable y genial, majestuoso, gigante. Hablamos de la búsqueda constante de la perfección a la hora de meterse en un estudio, de una obsesiva búsqueda.  El mejor guitarrista de todos los tiempos y el sexto artista más importante de la historia según la revista Rolling Stone. El mejor guitarrista eléctrico de la historia según la revista TIME. El mejor de los mejores según la votación de 4000 lectores especializados de Total Guitar. El mejor riff de la historia con Voodo Child, según el sitio británico Music Radar... 
Del profundo sur a las callejuelas de Nueva York, siempre en una eterna búsqueda que le llevó de las raíces del blues al rock and roll. Pasó de tocar en los circuitos más puristas del blues en Tennesee a sumergirse en los 'antrazos' de Harlem.
Y es que lo más impresionante de su sonido es que es indescriptible. incunable.


2.- Ritchie Blackmore.-  Ritchie Blackmore, inglés nacido en Weston, fue el pilar fundacional de una banda mítica, Deep Purple y otras menos importantes pero de una factura inmensa, como Rainbow. Sin duda es uno de los clásicos de la guitarra, aquellos que entraron en el libro gordo de la música enchufada por el poder y suntuosidad de sus riffs. Padre putativo del hard rock y posteriormente el power metal, Rictchie Blackmore fue siempre un privilegiado de la púa.
La pregunta que hay que hacerse cuando uno se plantea abordar la música de un gigante como Blackmore es que no hay sonidos previos que se le parezcan. No señor.


3.- Jimmy Page.- Jimmy Page puede que, de entre los mejores, sea el más versátil, el más adaptable. Y sin embargo, su música no pierde una pizca de originalidad y potencia, de personalidad. Nacido en Heston (Inglaterra) puede que además sea el más influyente de la historia del rock. Amigo de otros prodigios como Jeff Beck o Eric Clapton, a quienes conoció en el famoso Marquee Club de Londres, durante mucho tiempo y como los anteriores, fue músico de sesión, adaptando sus dedos a lo que fuera. 
Una muestra de su manga ancha sea la lista de músicos con lo sque colaboró a lo largo de su carrera. Así, como músico de sesión, tocó con Rolling Stones, The Who, The Kinks, Eric Clapton o Jeff Beck. 



4.- Eddie Van Halen.- ¿Por qué Van Halen es una banda mítica? Una de las principales razones es este holandés errante. El sonido emigrante del metal centroeuropeo acabó en EE.UU de su mano y guitarra.Y es que Eddie Van Halen es considerado uno de los mayores virtuosos de la guitarra en la historia del rock.
Quizá por todo ese arsenal que transportó siempre Eddie en su maleta Van Halen tuvo... tiene un sonido tan único.  Así de específico y duro es el aporte de Eddie Van Halen a la historia de los guitarristas rock.
                



5.- Randy Rhoads.- ¿Qué hay que tener en las manos para acompañar al rey del averno, Ozzy Osbourne, en un escenario? Tienes que ser mayúsculo, enorme, contundente... Un músico superlativo. En esencia tienes que ser Randy Rhoads... O algo parecido.
Bebiendo directamente de las fuentes del gran Ritchie Blackmore. Aún así, a Rhoads podríamos catalogarlo como un 'semidios' de la guitarra. Murió demasiado joven y de manera demasiado absurda en un accidente de avioneta en 1982.




6.- Slash.- Nació Sul Hudson en Reino Unido en 1965, concretamente en Hamsted, pero se coronó como Slash en Los Angeles, EE.UU cuando conocío a Axl Rose y fundó con él Gun's and Roses. Algunos le cuelgan el cartel de demasiado comercial 
De todos modos, hay que decir que no es el guitarrista más aseado o más técnico que conozcamos pero es cierto que su música tiene una personalidad arrolladora. Su famoso gorro de copa, sus rulos, su cigarro en la boca son marca registrada de este músico.  



7.- Angus Young.- Solo un australiano que nació en Escocia podía tocar así la guitarra. Se puede llegara pensar que en el caso de Young -como en el anterior de Slash- que el continente es más importante que el contenido, pero estamos ante un músico mayúsculo y un guitarra irrepetible. Siempre aferrado a una Gibson SG, el estilo enérgico de Young con la guitarra ha influenciado a muchos guitarristas de hard rock.
El 24 de agosto de 2006, Young recibió el premio de la revista 'Kerrang', "Legend Award". La publicación nombró a AC/DC como "una de las más importantes e influyentes bandas de hard rock de la historia". Y en parte sucedió por tener esta guitarra en su banda.



8.- Gary Moore.- Mito del hard rock, este músico que puso Estepona en el mapa del mundo al morir en término municipal. Si ningún guitarrista mítico nació en España, Moore por lo menos, murió en la piel del toro.  A Rock Legend. A finales de la década de los setenta toma en serio su carrera en solitario, lanzando varios discos basados en el blues rock, el hard rock y el heavy metal. Todos ellos contenían verdaderos monumentos guitarreros. Y todos con el sello que le hizo famoso, inmortal.




9.- Yngwie Malmsteen.- Es el guitarra sesionista por antonomasia. Es decir, puede que sea uno de los dos o tres guitarristas más técnicos de la historia del hard rock. No puede haber muchas dudas en esto. Además, hay que unir a ese hecho, el que sea el máximo referente de la ejecución del metal neo-clásico. De hecho, 
Muchos de los grandes lo intentaron, lo hicieron y casi todos muy bien, pero en Malmsteen se nota que lleva al rock en su genética... musical.   ¿El inicio de su andadura musical? Steeler, una banda que no trascendería demasiado. Después de esto, y antes de su andadura en solitario llegaría Alcatrazz, una banda al estilo Rainbow ya que su cantante, Graham Bonnet, había sido cantante de Rainbow hasta que fue despedido.



10.- John Frusciante.- ¿Cómo puede ser de bueno un guitarrista, cantante, compositor y productor neoyorquino de poco más de 40 años capaz de grabar tres discos con Red Hot Chili Peppers y haberlos mandado a tomar ... para volver a ir a su aire? Pues eso... Sus constantes problemas con las drogas y su afán por ser la antiestrella oscura y desconocida le han restado un potencial que, sin duda, este guitarrista tiene. Por tener las cosas claras: . Además, según la encuesta "The Axe Factor" producida por la BBC de Inglaterra, ha sido nombrado el mejor guitarrista que haya existido en los últimos 30 años.
Y es que los 'piperos' más recalcitrantes saben que si en un principio los californianos componían alrededor del virtuosismo de su bajo, Flea, con la llegada de Frusciante, la guitarra sería protagonista. Hicieron bien. Con él en la banda, compusieron sus mejores trabajos una ves que el guitarra original, Hillel Slovak, murió de sobredosis.

BENEFICIOS DE LA MUSICA

BENEFICIOS MUSICALES

NIVEL PSICOLOGICO.-

La práctica de la ejecución musical en base a un instrumento, promueve un mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo a ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones

A NIVEL NEUROLOGICO

En el momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al utilizarse los pedales^. A nivel mental, también se denomina muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje en otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla de los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los diferentes idiomas.

LA MUSICA Y SUS ELEMENTOS

LA MUSICA Y SUS ELEMENTOS

es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, diversión, etc.).

ELEMENTOS DE LA MUSICA

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

• La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.
• La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.
• La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.
• El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.

Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.

AMPLIFICADORES Y SU HISTORIA

EL AMPLIFICADOR 

Un amplificador es todo dispositivo que, mediante la utilización de energía, magnifica la amplitud de un fenómeno. Aunque el término se aplica principalmente al ámbito de los amplificadores electrónicos, también existen otros tipos de amplificadores, como los mecánicos,neumáticos, e hidráulicos, como los gatos mecánicos y los boosters usados en los frenos de potencia de los automóviles. Amplificar es agrandar la intensidad de algo, por lo general, sonido. También podría ser luz o magnetismo, etc. En términos particulares, un amplificador es un aparato al que se le conecta un dispositivo de sonido y aumenta la magnitud del volumen. En música, se usan de manera obligada en las guitarras eléctricas y en los bajos, pues esas no tienen caja de resonancia, la señal se obtiene porque las cuerdas, metálicas y ferrosas, vibran sobre una cápsula electromagnética, y esa señal no es audible, pero amplificada por un amplificador (valga la redundancia) suena con su sonido característicos. Mediante su interfaz se le puede agregar distintos efectos, comotrémolo, distorsiones o reverb entre otros.

Un amplificador de guitarra es un amplificador electrónico diseñado para amplificar una señal eléctrica de sonido emitida por una guitarra eléctrica o guitarra electroacustica de manera que que dicho sonido se produzca a través de un altavoz (Más conocido como parlante). La mayoría de los amplificadores pueden modificar el tono del instrumento enfatizando o atenuando ciertas frecuencias y añadiendo efectos de guitarra , como la distorsión (Uno de los más típicos) y la reverberación. La entrada de los amplificadores de guitarras modernas son de conectores jack de 1/4 pulgadas, que recibe una señal de un sensor piezoeléctrico (en una guitarra acústica) o de una pastilla electromagnética (en guitarras eléctricas).

HISTORIA

Los primeros instrumentos amplificadores no fueron diseñados para usar con guitarras. Aparecieron a principios de los '30 cuando los condensadores electrolíticos y las válvulas rectificadoras permitieron la producción de fuentes de alimentación integradas económicas que podían ser enchufadas a tomas de la pared, en lugar de las pesadas baterías eléctricas existentes hasta entonces, que no serían ligeras hasta bastante más tarde. Mientras que los primeros amplificadores se usaron para amplificar guitarras acústicas, la amplificación electrónica de guitarras se hizo amplia mente popular en los años 30 y 40 por la música hawaiana, que usaba en gran medida el lap steel hawaiano amplificado.

Los controles de los primeros amplificadores para guitarra eran muy simples y proveían de gran volumen, pero lo limitado de los controles, los altavoces usados y la poca potencia de los amplificadores (por lo general, 15 watioso menos hacia mediados de los 50) ofrecían pocos agudos y bajos en su salida. Algunos modelos iban acompañados defectos como, por ejemplo, el trémolo electrónico. Fender etiquetó sus primeros amplificadores con trémolo como "vibrato" y las palancas de vibrato de sus stratocaster como "tremolo bar". Algunos modelos posteriores incluyeron un muelle de Reverberación, siendo el primero en llevarlo el Ampeg Reverberocket.

En la década de 1950, algunos guitarristas saturaban sus amplificadores a propósito para poder experimentar con sonidos nuevos, descubriendo así, el efecto de la distorsión , entre ellos Goree Carter, Joe Hill Louis, Ike Turner, Willie Johnson, Pat Hare, Guitar Slim, Chuck Berry,Johnny Burnette, and Link Wray. . A principios de los 60, el guitarristas de música surf Dick Dale colaboró con Fender para producir amplificadores personalizados , incluyendo el primer amplificador de 100 watios. Cruzó los límites de la tecnología de amplificación eléctrica, ayudando a desarrollar nuevos equipos capaces de producir "tonos gruesos, limpios y definidos" a "volúmenes jamás soñados

La distorsión se hizo más popular a partir de mediados de los 60, cuando el guitarrista de The Kinks Dave Davies produjo efectos de distorsión conectando la salida ya distorsionada de un amplificador a la entrada de otro. Posteriormente, la mayoría de los amplificadores incorporaron controles de distorsión preamplificada, así como otras unidades diseñadas para producir efectos de manera segura y fiable. Ya en el siglo XXI, el overdrive y la distortion se han convertido en parte integral de muchos estilos musicales tocados con guitarra eléctrica, desde el blues rock al heavy metal y hardcore punk.

Los amplificadores de guitarra se usaron en un principio con bajos y teclados electronicos, pero otros instrumentos producían un rango de frecuencias más amplio y necesitaban un amplificador y un sistema de altavoces más apropiado. Se necesita mucha más potencia de amplificación para reproducir sonidos de bajas frecuencias, especialmente a volúmenes altos. La reproducción de bajar frecuencias también requiere un woofer apropiado o un altavoz subwoofer y una caja infinita.